Sonata Arctica - Winterheart's Guild (2003)

Formación del grupo en Winterheart's Guild:

• Tony Kakko (Voces, Teclados)
• Jani Liimatainen (Guitarras)
• Marko Paasikoski (Bajo, Guitarras)
• Tommy Portimo (Batería)
• Henrik Klingenberg (Teclados)

Sonata Arctica es una banda procedente de Finlandia que obtuvo buenas críticas a finales de los 90 y principios de los años 2000.

Un conjunto de Power Metal de la escuela Stratovarius, que sorprendió al mundo con su disco debut y que su aura creativa se expandió hasta éste álbum, pues a partir de aquí, las ideas parecieron perderse y la calidad compositiva empeoró ostensiblemente cayendo en la repetición de estructuras y en una caricaturización muy peligrosa, de la que todavía, a día de hoy no se han despegado.

Winterheart's Guild es su tercer álbum de estudio, y el último con un mínimo de calidad, que contiene 11 canciones potentes y veloces, que conviven con algunos medios tiempos agradables que ayudan a que el trabajo no caiga en la monotonía.

Cabe resaltar que en éste álbum hay una tripleta de canciones muy por encima del resto, como son The Cage, un corte rápido, potente, lleno de fuerza y con toda la esencia power metalera de entonces.

La segunda en cuestión es Victoria's Secret, donde destacan unos colchones de teclado realmente preciosos, y donde las melodías vocales se tornan muy melódicas y dulces, llegando al clímax, que es un estribillo magistral, probablemente el mejor que haya creado Sonata Arctica en toda su carrera.

Y la tercera es un medio tiempo llamado Broken, que alberga cierto aura ochentero, y donde los coros juegan un papel fundamental.

Del resto de composiciones, resaltar la potencia de la inicial Abandoned, Pleased, Brainwashed, Exploited, la melancolía de The Misery, o la rápida y efervescente Champagne Bath.

Con los años, la banda finesa cayó en la autocomplacencia que suele atacar a todos los grupos que besan el éxito durante un pequeño período de tiempo, creyendo que lo tienen todo hecho, y optando por una repetición de esquemas que finalmente se acaban volviendo en su contra. Eso, unido a unos irregulares directos, han labrado una mala fama en el grupo por parte de cierto sector metalero, que les costará mucho hacerles cambiar.

Al menos, nos quedan sus tres primeros discos, donde a pesar de buscar demasiado el sonido acuñado por Stratovarius, al menos, componían buenas canciones.

Mi puntuación: 7'25

Tracklist:

1. Abandoned, Pleased, Brainwashed, Exploited.
2. Gravenimage
3. The Cage
4. Silver Tongue
5. The Misery
6. Victoria's Secret
7. Champagne Bath
8. Broken
9. The Rest Of The Sun Belongs To Me
10. The Ruins Of My Life
11. Draw Me

Circodelia - Lo Trágico es Magnético (2003)

Formación del grupo en Lo Trágico es Magnético:

• Víctor Pérez (Voces)
• Pablo Parser (Guitarras)
• Marcos Íñiguez (Guitarras)
• Miguel Hinojosas (Bajo)
• Javier Planelles (Batería)

Circodelia es un grupo madrileño que durante unos minutos tuvo su momento de gloria en las emisoras españolas gracias a canciones como ¿Donde Están Las Chicas De Las Canciones?. Lamentablemente se les ha ido olvidando, en parte por lo espaciadas que se encuentran entre sí las obras que van editando.

Se trata de una banda que coquetea unas veces con un glam rock, y otras con un pop rock elegante, con letras ácidas y cierto tono humorístico, utilizando un lenguaje muy cercano para todos.

En Lo Trágico es Magnético, su segundo disco, de los tres que han editado, se deciden por utilizar más guitarras acústicas e incluír secciones de viento, pero sin olvidar ese punto glam rock que les caracteriza, siendo éste su trabajo más completo hasta el día de hoy.

Una colección de doce canciones repletas de vitalidad y de frases que quedarán grabadas para el oyente.

Todos esos ingredientes que he mencionado, se encuentran en la canción que da título al álbum, dando el pistoletazo de salida con un ritmo frenético, letras jugosas y unas melodías vocales maravillosas, donde Víctor  muestra todo su potencial y esa habilidad por hacer falsetes cuando lo cree conveniente.

Ojos Mágicos, Corazón Mecánico, sigue una línea melódica fascinante, donde las acústicas cobran más protagonismo, si cabe. En éste tema se encuentra uno de los estribillos más perfectos que jamás hayan creado los Circodelia.

En el apartado más rockero debemos destacar la juguetona Vino y Flores, que contiene unas letras muy divertidas fusionadas con una magnífica sección de viento, y la más que acertada versión de Radio Futura, Escuela de Calor.

En la faceta más lenta, contando con medios tiempos y baladas, me gustaría destacar las suaves melodías de Extraño en Tí, que te invita a cerrar los ojos y disfrutar de la canción. Pero sobre todo citar los títulos de dos de las joyas del álbum, que son Arma Oculta y El Mundo Vuelve a Girar.

La primera es una soberbia balada, con unas letras maravillosas y una instrumentación elegante, a la vez que precisa y efectiva, sin olvidar mencionar los puntuales coros. La segunda es un medio tiempo acústico con un contenido lírico bastante ácido, repleto de frases divertidas, y que se encarga de poner punto y final a éste notable álbum.

Es una pena que Circodelia no tengan una mayor repercusión, algo que sin duda les habría ayudado a publicar discos de forma más regular, y no con tantos años de diferencia entre unos y otros.

Probablemente, y con un poco más de atención sobre ellos, podrían haber llegado algo más alto de lo que han llegado. Pero como siempre digo, la Música es un arte que a veces se muestra muy injusto con las bandas talentosas.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. Lo Trágico es Magnético
2. Ojos Mágicos, Corazón Mecánico
3. Extraño en Tí
4. Voy a Raptar a Sara
5. Vino y Flores
6. Arma Oculta
7. Escuela de Calor
8. Les Queremos
9. Circodelia
10. Somos Gente Moderna
11. Peter Pan
12. El Mundo Vuelve a Girar

David Bowie - Hunky Dory (1971)

Los músicos que aparecen en Hunky Dory son:

• David Bowie (Voces, Guitarras, Saxofón alto y tenor, Piano)
• Mick Ronson (Guitarras, Coros, Mellotrón, Arreglos)
• Trevor Bolder (Bajo, Trompeta)
• Mick Woodmansey (Batería)
• Rick Wakeman (Piano)

Que gran carrera musical la que ha creado el señor Bowie, que comenzaba con un disco homónimo en el año 1967, y desde ahí, ha ido componiendo una serie de discos, que poco a poco se han ido colando en la historia más gloriosa de la música.

Además, Bowie puede presumir de ser un artista ecléctico, que se ha paseado por multitud de estilos musicales, y poder afirmar que de la mayoría ha salido airoso.

Considero que su época más fructífera se sitúa en la década de los 70, donde ha editado prácticamente todas sus obras más importantes y situarlas entre lo mejor de la historia de la música.

Y gran culpa de todo ello la tiene éste Hunky Dory, su primera obra maestra indiscutible y donde se comienza a forjar su leyenda. Se trata de un disco de cantautor, pero también de pop-rock, art rock, glam y piano rock. Todo fusionado en una coctelera que da como resultado una colección de 11 canciones de impecable factura, algunas de ellas auténticos clásicos imperecederos, como Changes, y su característico piano, sumado a una elegante sección de viento. Las melodías vocales son sugerentes y pegadizas, que se ven potenciadas en el magnífico estribillo, gracias a sus logrados coros.

La espacial Life on Mars? le discute a Changes el título de la mejor canción del álbum, aunque yo prefiero no elegir y quedarme con las dos. Una canción que te pone los pelos de punta, desde sus majestuosos teclados, sus guitarras precisas y la preciosa voz de David.

Kooks, se erige como una de las sorpresas del disco, que aunque eclipsada por los dos monstruos del álbum,  intenta codearse con ellos, gracias a sus extraordinarias melodías, y sus juguetones pianos.

Quicksand es una preciosa balada acústica, que se apoya en unos preciosos pianos y en unos arreglos preciosistas, mientras Queen Bitch aporta la parte más rockera del disco.

Me gustaría también mencionar la composición que despide el álbum, por su suavidad musical, por sus guitarras acústicas y la amabilidad melódica que desprende.

En Hunky Dory comenzó la época más gloriosa de David Bowie, un artista que supo aprovecharse del moemnto creativo en el que se encontraba, para seguir editando discos de la talla de The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars o Aladdin Sane.

Mi puntuación: 9'5

Tracklist:

1. Changes
2. Oh! You Pretty Things
3. Eight Line Poem
4. Life On Mars?
5. Kooks
6. Quicksand
7. Fill Your Heart
8. Andy Warhol
9. Song For Bob Dylan
10. Queen Bitch
11. The Bewlay Brothers

Magnum - Princess Alice & Broken Arrow (2007)

Formación del grupo en Princess Alice & Broken Arrow:

• Bob Catley (Voces)
• Tony Clarkin (Guitarras)
• Al Barrow (Bajo)
• Jimmy Copley (Batería)
• Mark Stanway (Batería)

Magnum es un grupo surgido a principios de los 70 en la ciudad de Birmingham, y que posee una discografía amplia, sólida y de calidad. Ha navegado por estilos como el Hard Rock, el AOR, o el Rock Progresivo.

Princess Alice & Broken Arrow pretende recrear el sonido glorioso de discos como On a Storyteller's Night, una de las obras más aclamadas de la formación inglesa. Y lo consiguen de la mano de 11 canciones vistosas, melódicas y muy bien trabajadas, donde destacan todos los músicos, cada uno en su labor.

La voz de Bob Catley se mantiene intacta, a pesar de los años, y es que, como los buenos vinos, parece que esa cálido registro, mejora con los años.

Entre lo más destacado del álbum se encuentra la inicial  When we were younger una pieza delicada y de gran calidad que destaca por la fusión de guitarras eléctricas y acústicas, con un estribillo realmente contagioso y que se erige como la piedra angular del disco junto a la soberbia Dragons Are Real, con una intro magnífica, una estrofa prodigiosa y un estribillo altamente adictivo, en la que no falta un gran solo de guitarra, y You'll Never Sleep, donde la voz,la guitarra y los teclados lo bordan realizando un trabajo realmente increíble.

También encontramos composiciones más directas, de un marcado carácter rockero como Out Of The Shadows, Be Strong, que suena muy ochentero potenciado por las guitarras se Clarkin y la voz rasgada de Catley o Your Lies, que cuenta con otro de los estribillos irresistibles, apoyada por una gran melodía de guitarra y teclados.

El espacio para los medios tiempos y las baladas está asegurado, con composiciones de gran calidad como Desperate Times, Inside Your Head, Like Brother We Stand, que se basa en guitarras acústicas sustentadas por una base rítmica consistente o la preciosa Thank You For The Day.

Da gusto encontrarse con grupos como Magnum, con una trayectoria bastante dilatada y que sin embargo, a día de hoy, no pierden el tiempo en medias tintas, y se dedican a publicar trabajos de buen nivel como éste Princess Alice & Broken Arrow.

Mi puntuación: 8

Tracklist:

1. When We Where Younger
2. Eyes Wide Open
3. Like Brothers We Stand
4. Out Of The Shadows
5. Dragons Are Real
6. Inside Your Head
7. Be Strong
8. Thank You For The Day
9. Your Lies
10. Desperate Times
11. You'll Never Sleep

The 69 Eyes - Paris Kills (2002)

Formación del grupo en Paris Kills:

• Jyrki 69 (Voces)
• Bazie (Guitarras)
• Timo Timo (Guitarras)
• Archzie (Bajo)
• Jussi (Batería)

The 69 Eyes es una formación finlandesa que a lo largo de su carrera ha cambiado constantemente de sonido y de imagen, con unos primeros discos que coqueteaban con el Garaje Rock e incluso con el glam. Sin embargo, fue en 1999 cuando dieron un vuelco a su sonido, con el álbum Wasting the Dawn, donde la música de la banda se enfrascaría en composiciones más oscuras, plagadas de elementos góticos.

En esos parámetros sonoros se mueve también el título que nos ocupa, Paris Kills, donde una vez más, vuelven a componer un total de 10 canciones de rock gótico, fusionado con el hard rock.

A pesar de contar con canciones directas y con mucho gancho melódico, estamos ante un disco irregular, ya que no todos los cortes superan el aprobado.

Entre las canciones más destacadas se encuentran la inicial Crashing High, un tema directo, con melodías jugosas y un estribillo más que notable. A éste le sigue uno de los hits del disco, y se trata de Dance D'Amour, que se inicia con unos bonitos aportes de teclado, y se mantiene firme gracias a unas olventes melodías vocales y a un trabajado estribillo.

Betty Blue es quizás la mejor canción de todo el álbum, por tener madera de clásico, y porque todo está en su sitio, pues ni falta ni sobra nada, culminando digno trabajo en el mejor estribillo de Paris Kills.

Don't Turn Your Back On Fear nos trae el lado más rockero del grupo, mientras que Still Waters Run Deep se sitúa como la mejor canción de la segunda parte del álbum.

Otra de las canciones reseñables es Stigmata, que por su sonido me recuerda mucho a Sisters of Mercy, por esa fusión de guitarras y sonidos casi discotequeros.

El resto de canciones del disco, decepcionan, o al menos no están para nada en el nivel de las ya citadas.

No es un mal álbum, al contrario, encontramos virtudes necesarias como para darle las suficientes escuchas y disfrutarlo plenamente, pero estaría mucho mejor si no fueran tan irregulares y no completaran el álbum con canciones de relleno.

Mi puntuación: 6

Tracklist:

1. Crashing High
2. Dance D'Amour
3. Betty Blue
4. Grey
5. Radical
6. Don't Turn Your Back On Fear
7. Stigmata
8. Forever More
9. Still Waters Run Deep
10. Dawn's Highway

Taste - On The Boards (1970)

Formación del grupo en On The Boards:

• Rory Gallagher (Voces, Guitarras)
• Richard McCraken (Bajo)
• John Wilson (Batería)

Lo que el señor Rory Gallagher hizo por la música debería ser estudiado en todas las escuelas del mundo.

El irlandés es un músico clave para entender el rock.

Taste es la formación que Rory tenía antes de meterse de lleno en la Rory Gallagher Band, que muchos consideran un grupo, y otros piensan que se trata de una carrera en solitario, acompañado de reputados músicos.

Sea como sea, Taste es un trío de Blues Rock, y  On The Boards el segundo y mejor trabajo de la banda.

Una colección de grandes canciones que ya mostraban todo el talento que Gallagher poseía en el manejo de la guitarra.

El grupo se formó en Irlanda, a mediados de la década de los sesenta, pero no fue hasta el año 1970 cuando publicaron su disco debut, el homónimo Taste, que se convertiría en un gran larga duración, que sin embargo se vio superado por éste impresionante On the Roads, apenas un año más tarde.

Ésta obra está formada por un total de 10 canciones soberbias, de un nivel excelente, pero hay una composición que en mi opinión, está por encima del resto, y no es otra que What's Going On, poseedora de una base rítmica poderosa, y con unas guitarras soberbias, culminando dicho trabajo con un buen solo de guitarra. Las voces de Rory Gallagher son sensacionales para éste Blues Rock.

Railway and Gun es una canción con un ritmo más pausado, pero de excelente gusto por la melodía, con unos riffs muy marcados, mientras que It's Happened Before, It'll Happen Again es todo lo contrario, ya que contiene ritmos más acelerados, con un destacado John Wilson a las baterías.

En Morning Sun nos acompaña un riff machacón, pero delicioso que tiene su antítesis en Eat My Words, por ser una canción más elaborada y camaleónica.

Pero lo realmente sorprendente llega con el título If I Don't Sing I'll Cry, que contiene unas cabalgantes estrofas que terminan en un estribillo inusual en éste estilo musical, y es que posee unas melodías muy pegadizas, con la voz de Rory en falsete. Sin duda es de mis favoritas del disco.

Éste es un disco que todo amante de la buena música debería tener en sus estanterías, ya que es todo un placer escuchar a éstos tres músicos, y es que On The Boards es una maravilla del Blues Rock.

Sólo dos discos de estudio, y Taste ha dejado huella.

Mi puntuación: 9'25

Tracklist:

1. What's Going On
2. Railway And Gun
3. It's Happened Before, It'll Happen Again
4. If The Day Was Any Longer
5. Morning Sun
6. Eat My Words
7. On The Boards
8. If I Don't Sing I'll Cry
9. See Here
10. I'll Remember

Sunstorm - House of Dreams (2009)

Formación de la banda en House of Dreams:

• Joe Lynn Turner (Voces)
• Uwe Reitenauer (Guitarras)
• Thorsten Koehne (Guitarras)
• Dennis Ward (Bajo, Coros)
• Chris Schmidt (Batería)
• Gunter Werno (Teclados)

Sunstorm es un proyecto de Hard Rock/A.O.R. liderado por gente como Joe Lynn Turner o Dennis Ward, auténticos expertos en éste terreno musical.

La mayor virtud es poder contar con un vocalista como Turner, capaz de cantar lo que quiera, gracias a su prodigiosa voz que nunca defrauda, a pesar de haberla escuchado ya en varios grupos anteriores y en numerosos proyectos.

House of Dreams es el segundo álbum de ésta banda, que ya agradó y de que manera tras su disco debut.

Lo que nos encontramos aquí es buen Hard Rock, con melodías vocales poderosas y pegadizas, con una instrumentación preciosista y muy efectiva.

Desde la primera canción nos dejan claro lo que nos van a ofrecer, pues Divided reúne todas las virtudes posibles del rock melódico.

Turner se mueve como pez en el agua, mientras las guitarras suenan poderosas y afiladas, junto a una base rítmica firme y a unos teclados esenciales, que adornan puntualmente las magníficas melodías aquí expuestas.

En Don't Give Up, los teclados se hacen notar todavía más, sobre todo en las partes en las que las guitarras son más espaciadas. Composición coronada con un magnífico estribillo.

Si lo que quieres es seguir buscando cortes potentes, melódicos y directos, todavía tienes un puñados de canciones que te dejarán con un gran sabor de boca, como son I Found Love, Forever Now, House of Dreams y la sensacional Gutters of Gold.

Las baladas también hacen acto de presencia, y algunas de ellas son auténticas joyas. A destacar, la magia que desprende The Spirit Inside, con unas melodías vocales que están entre lo mejor del álbum y la versión de Jimmy Barnes, Walk On, quien se encarga de despedir éste notable álbum.

A día de hoy se necesitan grupos como Sunstorm, que mantienen viva la llama de ese hard rock melódico lleno de elegancia y de melodías inolvidables. Probablemente si éste disco hubiera salido en los 80, tendría una repercusión mucho mayor, y seguro que alguna de sus canciones podrían haberse escuchado en alguna que otra emisora de radio. Pero hoy por hoy tenemos que conformarnos con descubrir a las bandas que van saliendo, por nuestra cuenta.

Mi puntuación: 7'5

Tracklist:

1. Divided
2. Don't Give Up
3. The Spirit Inside
4. I Found Love
5. Say You Will
6. Gutters of Gold
7. Save A Place In Your Heart
8. Forever Now
9. Tears On The Pages
10. House Of Dreams
11. Wak On

Scorpions - Lovedrive (1979)

Formación del grupo en Lovedrive:

• Klaus Meine (Voces)
• Rudolf Schenker (Guitarras, Voces)
• Matthias Jabs (Guitarras)
• Francis Buchholz (Bajo)
• Herman Rarebell (Batería)

Generalmente, cuando una persona se refiere a Scorpions, suele hacerlo en tono de humor, o te habla de un grupo de baladas, aunque yo creo que más bien es porque muchos hablas sin saber.

¿A cuanta gente habéis escuchado opinar sobre un grupo sin escuchar ni el 10% de sus obras? Yo, muchas veces, y casi siempre, la injusticia que puede llevar a que un grupo tenga una fama que no le corresponda, viene de contínuas opiniones sin fundamento que se van extendiendo y quedan estipuladas como tal.

A todo el mundo le viene a la cabeza la época de mediados de los 80, cuando el grupo de Hannover era muy dado a componer baladas, que por otro lado, suele ser muy habitual que las formaciones de hard rock incluyan un par de baladas en cada disco, pero como el ser humano suele actuar según le convenga, a unos grupos se lo toleramos, y a otros no, y más si la repercusión de dichas composiciones es muy amplia, entonces ya se convierte en pecado. Simplemente patético.

Pero no, Scorpions tiene más discografía que la publicada a mediados de los ochenta, noventa y en los días que nos ocupan. El combo germano también existió en los setenta, y da la casualidad que es la época en la que sus discos tenían unas composiciones más elaboradas, y en general, porque no decirlo, es justo donde se sitúan sus mejores obras.

Lovedrive es el último álbum de Scorpions en los años setenta, y es precisamente cuando pierden al genial guitarrista Uli Jon Roth, y lo remplazan por Matthias Jabs.

En ésta obra se aprecian ciertos cambios en la forma de componer, puesto que las canciones se hacen más directas y menos complejas, pero manteniendo firmemente el nivel, como puede ser el ejemplo de Loving You Sunday Morning, poseedor de unos riffs de guitarra muy marcados, mientras Meine se encarga de crear unas melodías vocales, que sólo él es capaz de ofrecer.

Hay que recordar que sobre todo estamos ante un álbum muy variado, con distintos tipos de composición, como puede ser la preciosista Is There Anybody There?, con ciertos aires reggae, la instrumental Coast To Coast, o las potentes y directas Another Piece of Meat y Can't Get Enough.

Hay espacio para un par de baladas marca de la casa, que corresponden a los nombres de Always Somewhere, y la definitiva y clásica Holiday.

Scorpions ha sido uno de los grupos que más ha aportado al Rock, y lo injusto es que por culpa de tres tropiezos de los numerosos pasos en firme que han dado, se les estén lanzando piedras indiscriminadamente.

Ya le gustaría a muchas bandas de mayor reputación, poseer esa colección de discos que los alemanes han compuesto en los setenta e inicios de los ochenta, es muy difícil encontrar a un grupo que durante tantos años seguidos no haya dado ni un sólo paso en falso.

Lovedrive marca el inicio de una nueva etapa, una línea a seguir que se confirmó en los posteriores Animal Magnetism (el primer paso en falso), Blackout y Love at First Sting, éstos últimos, dos auténticos discazos, aunque no superan éste magnífico Lovedrive.

Mi puntuación: 8'75

Tracklist:

1. Loving You Sunday Morning
2. Another Piece of Meat
3. Always Somewhere
4. Coast To Coast
5. Can't Get Enough
6. Is There Anybody There?
7. Lovedrive
8. Holiday

Nacho Vegas - El Manifiesto Desastre (2008)

Probablemente, El Manifiesto Desastre sea el último gran disco de Nacho Vegas a día de hoy, porque del último y decepcionante trabajo,  me reservaré las palabras para cuando a dicho álbum le toque pasar por el blog.

Aún así, en el disco que nos ocupa ya se percibe cierto agotamiento compositivo que hace que baje un escalón con respecto a Actos Inexplicables, Cajas de Música Difíciles de Parar y Desaparezca Aquí. Claro que lo normal es bajar el pistón y flojear un poco después de tres álbumes consecutivos que se encuentran entre lo mejor de la canción de autor de nuestro país. Lo inhumano sería crear otra obra maestra, pero como Nacho es de carne y hueso, desde 2008 hasta el día de hoy, le está tocando superar un pequeño bache creativo. Eso sí, hablar de un disco regular del bueno de Vegas, es situar ese trabajo entre lo mejor de nuestro país, porque su listón, su propio listón, lo ha puesto muy alto.

Pero, ¿hay grandes canciones en El Manifiesto Desastre? Por supuesto, e incluso alguna de ellas se puede situar entre lo mejor de su repertorio, claro que el fallo no está en sus mejores temas, sino en la irregularidad que padece éste trabajo.

Pero como estamos aquí para resaltar también las virtudes del mismo, debemos decir que Dry Martini S.A. es una soberbia forma de dar el pistoletazo de salida, con unas letras ingeniosas, y con la característica voz de Nacho susurrándonos al oído.

En Detener el Tiempo, nos encontramos con unas melodías con mucha más luz de las que el protagonista nos tiene acostumbrados, e incluso se atreve con unos estribillos con mucho gancho melódico.

Para mí la joya del álbum es sin duda, El Tercer Día, con una letra catastrofista, que alcanza su punto más álgido cuando Nacho nos desgarra el corazón con unos gritos desesperados, cuando la composición se acerca a su final.

En la segunda parte del álbum, me quedo con la agilidad de Crujidos, una de esas composiciones que de vez en cuando hace falta escuchar, por su buen gusto melódico, mientras que en Un Desastre Manifiesto volvemos al lado más intimista y susurrante del artista, algo que se repite en la genial Morir o Matar.

Que genial sería, que cualquier pequeño tropiezo musical, tenga la calidad de El Manifiesto Desastre, y digo tropiezo, porque el protagonista nos tenía mal acostumbrados a entregas consecutivas de obras impresionantes y de impecable factura, por eso suena muy injusto catalogar éste trabajo como "tropiezo", aunque repito que lo peor ha llegado en su último álbum La Zona Sucia, donde esperemos que Nacho haya llegado al final del pequeño túnel en el que se ha metido recientemente.

Mi puntuación: 7'25

Tracklist:

1. Dry Martini S.A.
2. Detener el Tiempo
3. Junior Suite
4. Lole y Bolán (En Teoría)
5. El Tercer Día
6. Nuevas Mañanas
7. Crujidos
8. Mondúber
9. Un Desastre Manifiesto
10. En Lugar Del Amor
11. Morir o Matar

Marillion - Holidays In Eden (1991)

Formación del grupo en Holidays in Eden:

• Steve Hogarth (Voces, Piano, Guitarras, Percusión)
• Steve Rothery (Guitarras)
• Pete Trewavas (Bajo)
• Ian Mosley (Batería)
• Mark Kelly (Teclados)

Con la llegada de la década de los 90, Marillion edita Holidays In Eden, un álbum que se aleja de los parámetros del Rock Progresivo, para acercarse a un sonido Pop sofiticado, que a veces y según composiciones, puede asemejarse un tanto a la música de U2.

No sería un cambio de sonido permanente, ya que el siguiente disco retornaría al progresivo, aunque sí que desde la entrada de Steve Hogarth a la banda, Marillion experimentaría mucho más con sus sonidos en cada trabajo, pero eso es algo que se hablará con mayor profundidad.

Lo que podemos escuchar aquí, son composiciones donde lo que más destaca son las excelentes melodías vocales que Hogarth se encarga de dar forma gracias a su preciosa y precisa voz.

El cambio de estilo, un tanto radical, no supone un empeoramiento brusco en la calidad del disco, de hecho, varias de las canciones aquí encontradas son celebradas con mucho ánimo en los directos del grupo, y se han instalado como clásicos dentro del cancionero de los ingleses. Y un ejemplo claro lo tenemos en Cover My Eyes, una composición de luminosidad Pop, pero de una exquisita elegancia que sólo puede ser plasmada cuando hay grandes músicos en acción, y de eso, Marillion está más que servido.

En Dry Land, los primeros segundos se pasean por los oídos como si nada estuviera sucediendo, pero es un engaño, porque se está preparando un camino perfecto por el que pasear hasta llegar a uno de los estribillos más impresionantes del disco.

No podemos olvidar canciones como Waiting To Happen, con un precioso inicio liderado por unas preciosas guitarras acústicas, que hacen de colchón para que Hogarth pueda lucirse vocalmente, y vaya si lo consigue. Del estribillo, hay poco que decir, ya que todo lo que escriba sobre él, no podrá ser definido con exactitud, y lo suyo es que cada uno de vosotros que lea estas líneas, pueda escucharla para intentar absorber toda esa magia que emana.

También hay espacio para las melodías emotivas, y desde luego que No One Can es un buen ejemplo de ello, con un Rothery sublime a las guitarras, marcándose un sólo precioso.

Me gustaría destacar también el carácter directo y rockero de This Town, así como los pequeños resquicios de progresivo de  Splintering Heart.

Es obvio que Holidays In Eden no está a la altura de los grandiosos trabajos que Marillion editó en la década de los 80, ni tan siquiera se codea con los posteriores Brave o Marbles, pero la calidad sigue patente, eso sí, de forma menos elaborada y mostrando a un grupo que buscaba ésta vez canciones más directas, y realmente lograron un puñado de temas memorables, con lo que es imposible reprocharles nada.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. Splintering Heart
2. Cover My Eyes (Pain and Heaven)
3. The Party
4. No One Can
5. Holidays in Eden
6. Dry Land
7. Waiting To Happen
8. This Town
9. The Rakes Progress
10. 100 Nights

Whitesnake - 1987 (1987)

Formación del grupo en 1987:

• David Coverdale (Voces, Piano)
• John Sykes (Guitarras, Coros)
• Neil Murray (Bajo)
• Aynslay Dunbar (Batería)

Digamos que Whitesnake explotó comercialmente con éste 1987, aunque en mi opinión baja la calidad de trabajos como Slide It In o Ready an' Willing. Los anteriores discos tenían influencias blues rock, algo que con éste superventas se borró de un plumazo, para adentrarse en la ola glam metal que reinaba por aquel entonces.

Pero...fue un acierto ese cambio? Depende, si buscas la pureza de la banda y te gustaba el poso blues que poseían, el cambio fue a peor, pero si lo que buscas son canciones más pegadizas y la espectacularidad del hard rock de la época, entonces Whitesnake acertaron de lleno. Yo quizás soy de los primeros.

De todas formas, ésta obra posee composiciones memorables, que se han convertido en los mayores hits de la historia del grupo, y eso no es fácil de conseguir, aunque creo que por momentos la cosa se tambalea, llegando incluso a que algunas de las canciones sean demasiado "parecidas". ¿Habéis probado a escuchar los inicios de cada una de las canciones? Si es así, os habréis dado cuenta de que al menos cuatro de los temas, tienen un comienzo similar.

Por cierto, anteriormente hablé de que había ciertas canciones asombrosas, que desde el momento en que salieron a la luz, se convirtieron automáticamente en clásicos del grupo. Concretamente la columna vertebral del álbum la componen tres títulos, que son Still of the Night, una canción potente, con un Coverdale sobrehumano a las voces, Is This Love, la balada definitiva del grupo, con la que han enternecido millones de corazones, gracias a una sublime interpretación vocal, y tambien Here I Go Again, una canción que ya había sido incluída en el álbum Saints & Sinners, pero que para ésta ocasión prefirieron re-grabarla, dándole un sonido más hard rockero, potenciando sobre todo las melodías vocales.

Del resto destacaría Give Me All Your Love, que quizás mantiene un poco lo que Whitesnake había realizado anteriormente, y también Straight For The Heart, un tema rockero, direto y poderoso con un buen aporte de coros precisos y bien ejecutados.

Quizás la popularidad del álbum se ha encargado de sobrevalorar un trabajo que para nada se sitúa entre lo mejor de Whitesnake, pues, una tripleta de singles acertados no debe lavar el cerebro de la gente.

No nos engañemos, el disco es bueno, notable, pero tiempos pasados fueron mucho mejores, y como decía anteriormente, trabajos como Ready an' Willing o Slide It In, no deben siquiera ser discutidos por éste 1987.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. Still Of The Night
2. Bad Boys
3. Give Me All Your Love
4. Looking For Love
5. Crying In The Rain
6. Is This Love
7. Straight For The Heart
8. Don't Turn Away
9. Children Of The Night
10. Here I Go Again
11. You're Gonna Break My Heart Again

Génesis - Selling England By The Pound (1973)

Formación en Selling England By The Pound:

• Peter Gabriel (Voces, Flauta, Oboe)
• Steve Hackett (Guitarras)
• Mike Rutherford (Bajo, Guitarras)
• Tony Banks (Teclados)
• Phil Collins (Batería, Voces, Coros)

Génesis es un grupo de Rock Progresivo que obtuvo sus días de gloria creativa en la década de los 70, y sobre todo con la presencia del genial Peter Gabriel.

Selling England By the pound es el quinto trabajo de la banda, y a mi juício, su cima compositiva, al que sólo su siguiente obra, The Lamb Lies on Broadway, le puede discutir dicho honor.

Estamos ante un disco magistral, que contiene ocho composiciones de un nivel excelente, algunas de ellas con una riqueza musical y letrística asombrosa, y es que éste álbum está repleto de frases metafóricas.

La portada del disco era un pintura de Betty Swanwick, llamada El Sueño.

Alguna de las composiciones aquí plasmadas se convirtieron desde el primer momento en clásicos de Génesis. Como ejemplo tenemos la inicial Dancing With the Moonlit Knight, donde Gabriel se encarga de dar el pistoletazo de salida con preciosa voz, recitando unas soberbias frases, antes de que las guitarras y los teclados se encarguen de acompañarlo en un viaje sonoro lleno de emotividad y magia sin igual, en la que Phil Collins nos ofrece una clase magistral de batería.

Ésta pieza engloba todo lo que era Génesis en aquella época, dramatismo, letras metafóricas, virtuosismo controlado...una auténtica maravilla.

Igual de espectacular nos enfoca con su luz I Know What I Like (In Your Wardrobe), con momentos que se tornan más melódicos, aunque quizás el clímax se alcance con la preciosa Firth of Fifth, que desde sus primeros segundos enamora gracias a una preciosa introducción de piano, a cargo de Tony Banks.

La espectacularidad se apodera de la composición a medida que se van sucediendo los minutos, para convertir ésta preciosa canción en la columna vertebral del disco.

Debemos recordar que More Fool Me, es la única canción del disco en la que Phil Collins se encarga de las partes vocales, en una sencilla pero bonita canción.

Pero si las tres primeras canciones que he citado, eran las más importantes de la primera parte del álbum, no podemos olvidarnos de The Cinema Show, que se encarga de que la segunda parte tenga su dosis de superdotada creatividad, con contínuos cambios de ritmo y melodías cautivadoras.

Fundamentalmente, son éstas composiciones las que hacen de Selling England By The Pound un disco mágico, y muy a tener en cuenta cuando se habla de las mejores obras musicales de la historia. Porque no todos los grupos han sabido plasmar todo ese inagotable talento creativo en un disco, donde el virtuosismo no se convierte en un aburrimiento, sino en un valor añadido que sabiéndolo utilizar, consigue partes instrumentales dignas de un largo aplauso.

Si alguien quiere comenzar a escuchar la discografía de Génesis, que empiece por ésta obra, y seguro que quedará maravillado. 

Mi puntuación: 9'5

Tracklist:

1. Dancing With The Moonlit Knight
2. I Know What I Like (In Your Wardobe)
3. Firth of Fifth
4. More Fool Me
5. The Battle of Epping Forest
6. After The Ordeal
7. The Cinema Show
8. Aisle of Plenty

Dare - Out Of The Silence (1988)

Formación de la banda en Out Of The Silence:

• Darren Wharton (Voces, Teclados)
• Vinny Burns (Guitarras)
• Shelley (Bajo)
• James Ross (Batería)
• Brian Cox (Teclados)

Out of the silence es al álbum debut de Dare, una banda de A.O.R./Hard Rock melódico, liderado por el ex-teclista de Thin Lizzy, Darren Wharton.

La música del grupo británico se caracteriza por incluír además ciertos sonidos celtas, que le dan un plus de interés.

Quien iba a pensar, que tras haber militado en Thin Lizzy como teclista, Wharton pondría en marcha una nueva banda de Rock melódico, y que además consiguiera un más que merecido respeto, gracias a una sensacional colección de discos, que bajo mi punto de vista tiene su punto más alto en dos trabajos, Out of the silence y Beneath The Shining Waters.

Estamos ante un álbum plagado de grandes canciones, algunas de ellas auténticos hits que han acompañado la historia musical de Dare, y que se han encargado de dar consistencia a una fructífera carrera que se vería reforzada en discos posteriores.

¿Quien se puede resistir a cortes como Abandon? Un auténtico ejemplo de como hacer un tema potente y melódico sin caer en la ñoñería barata.

Teclados efectivos, acompañando la voz de Wharton en unas estrofas fascinantes, que concluyen en unos irresistibles estribillos.

Dare ha hecho en un disco, lo que Bon Jovi lleva buscando en toda su carrera sin haberlo conseguido.

Pero hay más, los estribillos majestuosos y con poderoso gancho melódico siguen vigentes en títulos como Runaway, Heartbreaker y sobre todo en la espléndida y brillante Into the fire.

También hay espacio para medios tiempos elegantes como King of spades o The Raindance, que contiene grandes dosis de sonidos celtas.

Evidentemente, en un buen disco de rock melódico tiene que haber espacio para sentidas y emotivas baladas, pero sobre todo quiero destacar una por encima de las demás, y es que Under the sun juega un papel muy importante en la carrera del grupo. Sus estremecedoras melodías y sus maravillosos teclados,  ponen el pelo de punta.

Considero que todo amante de la buena música debería darle una oportunidad a éste Out of the silence, pues creo que escuchándolo sin prejuícios, agradará a más de uno gracias a unas melodías que aunque trabajadas, entran muy facilmente por los oídos. Se trata de un álbum clave de finales de los 80.

Tracklist:

1. Abandon
2. Into The Fire
3. Nothing is Stronger
4. Runaway
5. Under The Sun
6. The Raindance
7. King of Spades
8. Heartbreaker
9. Return The Heart
10. Don't Let Go

Mi puntuación: 8'75

Comus - First Utterance (1971)

Formación del grupo en First Utterance:

• Roger Wootton (Voces, Guitarras)
• Glenn Goring (Guitarras, Guitarras de 12 cuerdas, Bongós, Voces)
• Andy Hellaby (Bajo)
• Colin Pearson (Violín, Viola)
• Bobbie Watson (Percusión, Coros)
• Rob Young (Teclados, Percusión, Oboe, Flauta)
• Lindsay Cooper (Oboe, Fagot, Coros)

Comus es una de las mayores joyas escondidas que existen en el mundo de la música. Un grupo peculiar nacido en el Reino Unido a finales de los sesenta, y que presentaron un disco debut muy interesante, correspondiendo al título de First Utterance.

Concretamente fue en el año 1971 cuando hicieron su debut, y vaya disco, lástima que no se hayan prodigado a lo largo de la historia con apenas dos trabajos en total.

Ésta numerosa formación practica una fusión de estilos cuanto menos llamativa, con sobre todo altas dosis de folk progresivo, y numerosos elementos psicodélicos. La mayoría de las guitarras son acústicas, con mucha percusíón e incluso podemos escuchar voces creadas por los músicos que simulan a animales, desde luego es un trabajo muy curioso. Existen ciertos tintes surrealistas en la música de Comus.

Deciros que no estamos hablando de una obra cualquiera, escondida sí, pero muy apreciada, donde incluso gente como David Bowie los ha tenido muy en cuenta y Mikael Akerfeldt (Opeth) ha hecho bastantes referencias al grupo inglés. Ahí es nada.

First Utterance se compone de siete canciones, seis de ellas de una duración considerable, más una pieza instrumental.

Es difícil destacar una canción por encima de otra en un disco así, ya que practicamente todas las composiciones poseen un nivel excelente, pero la magia que desprende Diana, el corte inicial, merece unas líneas concretas. Aquí nos encontramos con todos los ingredientes que hacen que ésta obra sea tan esencial y especial.

Guitarras acústicas, preciosas incursiones de instrumentos de viento, incluyendo además una sección de percusión que te dejará boquiabierto.

Tambien me gustaría mencionar la canción titulada Drip Drip, por la enorme espectacularidad de sus melodías, en sus más de doce minutos de duración, que junto al atrevimiento de la osada Song to Comus, se convierten en los mejores minutos del álbum.

Todo lo que diga de éste First Utterance es poco, para comentar una obra que para mí es una joya del género, y que sólo se podrá describir escuchando cada una de las ambiciosas notas que la componen. Sólo así se podrán absorber todos los matices que humildemente trato de haceros llegar tras éstas líneas.

Todas las composiciones poseen una riqueza musical, digna de un aplauso bien largo.

Tracklist:

1. Diana
2. The Herald
3. Drip Drip
4. Song To Comus
5. The Bite
6. Bitten
7. The Prisoner

Mi puntuación: 10

The Devil's Blood - The Time Of No Time Evermore (2009)

Formación de The Devil's Blood:

• The Mouth of Satan (Voces)
• S.L. (Guitarras)
• T. (Guitarras)
• B. (Baterías)

Lo se, parece que me comí letras en los nombres de la formación, pero no, así se hacen llamar los miembros de ésta fenomenal banda holandesa, concretamente de la ciudad de Eindhoven.

Una banda que se formó en el año 2006, y que tiene como debut éste No time of no time evermore.

En éste disco nos vamos a encontrar con grandes dosis de Rock clásico, pero aderezado con pinceladas Stoner, Rock Psicodélico y sonidos un tanto oscuros.

Con todos éstos ingredientes, evidentemente nos esperamos un trabajo al menos interesante, y la verdad, es que no defrauda en ningún momento.

Tenemos composiciones con diferentes influencias, que absorben el sonido característico de formaciones como Black Sabbath, Led Zeppelin y un sinfín de bandas más. 

11 canciones son los que completan éste álbum, de las cuales merecen una mención especial títulos como Evermore, donde nos muestran todas esas grandes virtudes que poseen, además de unas melodias vocales muy logradas, con unos coros imponentes.

I'll be your ghost nos muestra unos buenos riffs de guitarra, junto a unas melodías vocales muy pegadizas, pero es Christ or Cocaine la joya de la corona del disco. Una composición que si hubiera visto la luz en los años 80, a día de hoy sería una referencia, sin ningún tipo de duda. Ya desde el inicio, desde los primeros riffs, sabes que la canción está hecha de otra pasta, que algo grande nos espera, y así es. Os dejaré que la escuchéis en los vídeos que más abajo os ofreceré.

El lado más psicodélico de la banda, la encontramos en títulos como The Anti Kosmik Magick, un tema de diez minutos de duración con todas las virtudes del combo holandés, o la mística House of 10000 voices. 

The Devil's Blood tambien saben componer canciones directas y potentes como Queen of my burning heart o Rake your nails across the firmament.

No dejéis escapar la oportunidad de poder disfrutar de éste disco, un debut formidable con canciones directas y potentes, y otras con un toque de psicodelia evidente.

Se espera un nuevo álbum de los holandeses, tras finalizar el verano, y esperemos que la calidad se mantenga y nos puedan ofrecer una nueva colección de canciones tan meritoria como en éste The time of no time evermore.

Tracklist

1. The Time Of No Time
2. Evermore
3. I'll Be Your Ghost
4. The Yonder Beckons
5. House Of 10000 Voices
6. Christ Or Cocaíne
7. Queen Of My Burning Heart
8. Angel's Prayer
9. Feeding The Fire With Tears And Blood.
10. Rake Your Nails Across The Firmament
11. The Anti Kosmik Magick

Mi puntuación: 8'5