Led Zeppelin - II (1969)

Formación de la banda en II:

• Robert Plant (Voces, Armónica)
• Jimmy Page (Guitarras, Mandolina, Coros)
• John Paul Jones (Bajo, Teclados, Melotrón, Guitarras Acústicas, Coros)
• John Bonham (Batería, Percusión, Coros)

Led Zeppelin son, sin ninguna duda, una de las mejores bandas de la historia, clave en muchos de los sonidos que vinieron después y básicos para todo amante de la música.

En primer lugar, a todas esas personas que suelen relegar de toda música que proceda de décadas anteriores, hay que decirles que si no es por éste tipo de formaciones, hoy en día la música estaría muchísimo menos avanzada. A todos esos listillos, que piensan que la música comienza y termina en mucho del Pop mediocre actual, que además discuten sin compasión sobre música, diciendo que este tipo de grupos eran unos acabados (en su desconocimiento), deberían sentarlos a escuchar un álbum íntegro de Led Zeppelin. Pero como para casos perdidos es mejor no perder el tiempo...vayamos a lo nuestro. 

Este álbum era el segundo paso en firme que daba la banda inglesa, y la confirmación de que serían algo grande, como se demostró no mucho más tarde, superando el más difícil todavía, que era mejorar un debut que había cogido al mundo por sorpresa, gracias a una calidad indiscutible.

Este segundo trabajo mostraba al mundo un Rock con fuertes influencias Blues y elementos propios del Folk, dando como resultado una colección de canciones con una riqueza musical fuera de lo normal, de ahí que con éste trabajo, consiguieran el estrellato definitivo y clave, para lo que todavía vendría después.

La lista de canciones de éste álbum refleja que estamos ante un clásico imperecedero, donde varias de las composiciones aquí plasmadas, se han convertido en algunas de las mejores canciones de la historia. Ahí es nada.

El disco comienza fuerte, con un buen plato musical llamado Whole Lotta Love, y su característico riff. Con una parte intermedia sobrecogedora, y la demostración de que la voz de Plant, a partir de aquí, tocaría el cielo con sus cuerdas vocales, y es que las interpretaciones del genial vocalista en éste álbum mejoran lo realizado en aquel excelente debut. 

Siguiendo con las mejores canciones, es obligado detenerse en el nombre de Heartbreaker, con otro de los riffs memorables y un solo de guitarra impresionante. Bajo una capa folk, nos dirigimos hacia Ramble On y sus excelentes y preciadas guitarras acústicas.

Probablemente, éstas son las composiciones más destacadas, por la repercusión que tuvieron después, pero evidentemente, si estamos hablando de uno de los mejores discos de la historia, la excelencia no termina aquí, ya que momentos como los que encontramos en Thank You son realmente emocionantes, siendo una especie de balada con cierto aire Pop de la época, con un solo de guitarra encantador.

What is And What Should Never Be, se muestra majestuoso desde sus primeros compases, conectando The Lemon Song y sus preciados elementos Blues.

Living Loving Maid (She's Just a Woman) presenta un ritmo más enérgico y vigoroso, contratando con lo encontrado en Moby Dick y ese característico solo de batería del señor Bonham.

Para el final dejamos precisamente la canción que cierra el álbum, Bring It Home, con un inicio bastante pausado y tranquilo, que termina por explotar cuando nos acercamos al minuto dos.

El segundo larga duración de Led Zeppelin supuso destapar del tarro de las esencias, todas esas influencias que tenían en la cabeza, y que supieron plasmar brillantemente a lo largo de las nueve canciones incluídas. La excelencia se hace patente por el nivel de los músicos, de las canciones y de una genial producción.

Es difícil saber si nos encontramos ante el mejor álbum de la banda, pero eso es imposible de saber cuando practicamente todos los trabajos rozan la matrícula de honor.

Este disco debería ser estudiado en todos los colegios, y por supuesto, ser escuchado por todo el mundo.

Mi puntuación: 9'5

Tracklist:

1. Whole Lotta Love
2. What is And What Should Never Be
3. The Lemon Song
4. Thank You
5. Heartbreaker
6. Living Loving Maid (She's Just a Woman)
7. Ramble On
8. Moby Dick
9. Bring It On Home

Mikel Erentxun - Naufragios (1992)

En 1992, daba comienzo una de las carreras más prolíficas de nuestro país, la de Mikel Erentxun en solitario. El que fuera una de las cabezas visibles del grupo Duncan Dhu, se decidía a mostrar todas las ideas que le rondaban en la cabeza, y fruto de ello, dio como resultado Naufragios, que a pesar de ser su primer paso como solista, ya contenía algunas de las canciones clave de toda la discografía del donostiarra.

Se trata de un disco de Pop Rock de fácil escucha, sin demasiado barroquismo ni intrincadas estructuras, simplemente se pueden encontrar composiciones con mucha melodía, luminosidad y buenas guitarras.

No tenemos que esperar mucho para encontrar una de las mejores canciones de Mikel, simplemente es poner el disco y dejar que suene el primer corte, porque lo que llega es nada más y nada menos que A un Minuto de Tí. Tratándose de uno de los clásicos en su repertorio de directo. Un suave Pop Rock sofisticado con unas buenas estrofas y un estribillo cantado en falsete. Miénteme se sitúa cómodamente en un pasaje tranquilo, en un camino labrado por la calidad del anterior corte, lleno de intimismo y suaves melodías, para más tarde llegar a una de las sorpresas del álbum, porque Esta Luz Nunca se Apagará es una buena versión del clásico de The Smiths, contiene unas guitarras muy luminosas y unas melodías vocales más acentuadas que en la composición original. El nivel del álbum decae un poco por el conformismo de Gritar al Viento, aunque se nos recuperamos del sobresalto tras la escucha de Uña y Carne y Lágrimas de Fuego y Ceniza.

Jugando con el Tiempo nos ofrece la versión más Pop del compositor vasco, eso sí, con muy buenas melodías y una gran letra. Pero para mí, sin dudarlo, la joya de éste trabajo es el medio tiempo No Arranques más Flores, que dicho sea de paso, siempre me ha parecido una canción muy apta para escuchar en algún lugar poco iluminado, y es que esas guitarras y esas líneas vocales en los estribillos la hacen irresistible a los oídos.

Para ir finalizando, quisiera resaltar el vertiginoso ritmo de guitarras en Negro, la delicadeza sonora de Queriendo Alcanzarte, la sencillez de la inofensiva Lentamente y la prescindible Champagne. Aunque para el final se reserva otra de las canciones memorables de Naufragios, y que corresponde al título de Caer, que con sus delicadas guitarras y la preciosa letra, golpea en nuestros cerebros, pidiendo permiso para quedarse y no salir de ahí.

Naufragios es en definitiva un buen álbum, aunque no el mejor del artista, ya que muchos de sus grandes momentos todavía estaban por llegar. Aún así nos encontramos con un nivel notable, que eso sí, se desvanece un tanto cuando nos encontramos con un par de canciones bastante olvidables.

Mi puntuación: 7 

Tracklist:

1. A un Minuto de Tí
2. Miénteme
3. Esta Luz Nunca se Apagará
4. Gritar al Viento
5. Uña y Carne
6. Lágrimas de Fuego y Ceniza
7. Jugando Con el Tiempo
8. No Arranques más Flores
9. Negro
10. Queriendo Alcanzarte
11. Lentamente
12. Champagne
13. Caer

John Waite - Rough & Tumble (2011)

Regresa a la actualidad John Waite con éste Rough & Tumble, publicado éste mismo año. El que fuera vocalista de Bad English y The Babys nos entrega su nueva obra, compuesta por doce canciones, llenas de variedad, y buen gusto melódico.

El álbum tiene un cálido acento rockero, pero sin ir más allá, es decir, lo que nos vamos a encontrar aquí son varios temas de rock, sin fuegos de artifício ni etiquetas sobrantes.

Lo que John Waite nos entrega hoy, es la evolución lógica, que artistas como Bryan Adams no han querido mostrar.

El disco se inicia con la homónima Rough & Tumble, que comienza con unos buenos riffs que nos acompañarán durante toda la canción, guiada por una base rítmica contundente y la genial voz de Waite, que se pasea a sus anchas demostrando las grandes votes vocales que posee.

Seguimos con Shadows of Love, que se presenta también en videoclip, lo que puede dar una pista de que lo que nos encontramos aquí es una canción melódica y de fácil escucha, gracias a las acertadas líneas vocales. Mientras tanto, Evil se desmarca en un medio tiempo preciso, elegante y con geniales coros en los estribillos a la vez que seguimos pisando el freno para llegar a la balada, de marcado acento Bon Jovi, If You Ever Get Lonely, que carece de interés, más allá del que ya tiene la voz de John. Skyward ayuda a superar uno de los primeros baches y relanza el disco gracias a un tema lento, pero con un gran interés gracias a la magistral interpretación de nuestro protagonista.

Sweet Rhode Island Red nos transporta de nuevo a la faceta rockera del disco, con voces muy rasgadas y estribillos machacones, iniciando de ésta forma la segunda parte del álbum, que se completa con las marcadas melodías de un temazo llamado Mr. Wonderful.

Better Off Gone y Love's Goin' Out Of Style completan la lista de canciones destacables, la primera en forma de medio tiempo, y la segunda se transforma en un tema lento con algunos destellos blues.

Rough & Tumble nos acerca la faceta más madura de John Waite, lo que se traduce en un álbum bastante ecléctico, donde las revoluciones no son demasiado rápidas, lo que no quita que estemos hablando de un trabajo de notable facturo y excelente producción. Merece unas cuantas escuchas.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. Rough & Tumble
2. Shadows Of Love
3. Evil
4. If You Ever Get Lonely
5. Skyward
6. Sweet Rhode Island Red
7. Love's Goin' Out Of Style
8. Better Off Gone
9. Further The Sky
10. Peace Of Mind
11. Mr. Wonderful
12. Hanging Tree

Clutch - From Beale Street To Oblivion (2007)

Formación del grupo en From Beale Street To Oblivion:

• Neil Fallon (Voces)
• Tim Sult (Guitarras)
• Dan Maines (Bajo)
• Jean Paul Gaster (Batería)
• Mick Schauer (Teclados)

Clutch es un grupo norteamericano, nacido a principios de los 90, que gusta de mezclar diversos elementos a su sofisticado Hard Rock. De hecho los elementos Stoner Rock están muy presentes en sus composiciones, además de exhibir cierto poso Blues, que hace aún más rica en matices si cabe, la propuesta musical del grupo.

From Beale Street To Oblivion sigue precisamente esos patrones. Un álbum editado en el año 2007 y que presume de ser una de las piezas angulares de la carrera musical del grupo. Digo una de las piezas angulares, porque a pesar de ser un buen trabajo, no supera bajo ningún concepto la obra cumbre llamada Blast Tyrant, que por el momento se muestra insuperable, dado el nivel tan alto que mostraron a nivel compositivo.

Éste disco presenta un total de doce canciones, una de ellas presentado en un videoclip, y que corresponde al título de Electric Worry, donde las influencias blueseras de grupos como ZZ Top son muy presentes, sobre todo al comienzo de la canción, donde las guitarras blues se funden con la voz grave y exagerada hasta la extenuación de Fallon en ese instante, mientras que en las estrofas nos devuelve esas voces tan genialmente rasgadas. El estribillo se muestra festivo, con mucha energía y se presenta como la oportunidad más clara de levantar los puños en los directos del grupo.

Los riffs machacones y repetitivos se presentan en canciones como la imprescindible Power Player, de sabor a Rock añejo e intenso. Algo más pausado aunque de eficiente intensidad se nos muestra la genial The Devil & Me, que se encuentra entre lo mejor del repertorio del álbum, junto a la magnífica One Eye Dollar.

Mientras tanto, White's Ferry juega con diferentes cambios de ritmo, al igual que en Mr.Shiny Cadillackness.

Otras canciones que merecen ser destacadas por su indudable calidad son la exquisita When Vegans Attack y Opossum Minister, que con sus riffs a la vieja escuela y su regusto stoner, afianzan el nivel global del disco.

Clutch, un grupo con menos reconocimiento de lo que deberían haber obtenido dado el nivel de los trabajos que nos ofrecen. Ofrecen siempre lo mejor de sí mismos y pocas veces defraudan con un disco que no esté a la altura. From Beale Street To Oblivion exige por calidad y descaro, situarse cerca del mejor disco de la banda, el ya citado Blast Tyrant.

Mi puntuación: 8

Tracklist:

1. You Can't Stop Progress
2. Power Player
3. The Devil & Me
4. White's Ferry
5. Child Of The City
6. Electric Worry
7. One Eye Dollar
8. Rapture of Ridley Walker
9. When Vegans Attack
10. Opossum Minister
11. Black Umbrella
12. Mr. Shiny Cadillackness

Negative - Sweet & Deceitful (2004)

Formación del grupo en Sweet & Deceitful:

• Jonne Aaron (Voces)
• Larry (Guitarras)
• Christus (Guitarras)
• Antti (Bajo)
• Snack (Teclados)
• Jay (Batería)

Grupo formado en las gélidas tierras finlandesas, cuna de grandes grupos de Rock, y de una actual cantera musical que sostiene por sí misma el futuro del estilo en futuras décadas.

Negative es un grupo de Hard Rock que suele incluír algunos toques melancólicos con sus teclados, creando atmósferas que en algunos momentos puede rozar el Gothic Rock, pero que simplemente es eso, lo roza, ya que la actitud y el sonido se centran solamente en un rock melódico sin complejos, más directo que elaborado, pero centrándose en hacer buenas canciones directas y con gancho.

Sweet & Deceitful vio la luz en el año 2004, siendo éste el segundo álbum que editaban, tras el debur War of Love, acentuando lo que habían perfilado con anterioridad.

Se trata de un disco con un total de doce cortes, donde la luminosidad y la melancolía de fusionan para dar con la receta exacta del grupo nórdico. Canciones como Frozen to Lose it All, hablan a las claras de como suena la banda: melodías vocales brillantes, la dosis justa de guitarras, alto contenido de teclados...uno de los temas estrella del álbum, en definitiva.

Creeping Inside sigue la misma tónica, pero con unos teclados más atmosféricos y tristes, con un Aaron metido en el papel de vocalista repartiendo tristeza y esperanza por partes iguales, a través de una cálida voz que juega con puntuales tonos rasgados.

Seguimos con canciones destacables, y por ello debemos mencionar obligatoriamente la explosividad de In My Heaven, el corte más pegadizo de todo el álbum, con estrofas cortas y efectivas y un estribillo demoledor, con mucho gancho, mientras tanto, la parte más fundamentalmente rockera del grupo, recae con todo su peso en dos títulos: My My Hey Hey (Out of The Blue) y L.A. Feeding Fire. Dos composiciones con guitarras muy marcadas y afiladas, mostrando la crudeza que pueden llegar a emplear.

En el apartado de baladas y medios tiempos, sobresalen las belleza empleada en Neverending Parade, y los maravillosos pianos de About My Sorrow.

Sweet & Deceitful es un álbum directo, con canciones muy fáciles de escuchar, que entran a la primera y dejan un agradable recuerdo al acabar de escuchar el trabajo completo. Negative están hechos para eso, no esperes canciones elaboradas, pero sí que prometen buenas dosis de entretenimiento y una maravillosa sencillez.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. Intro
2. Frozen To Lose It All
3. Creeping Inside
4. Locked In The Dark
5. In My Heaven
6. My My Hey Hey (Out Of The Blue)
7. Neverending Parade
8. L.A. Feeding Fire
9. Until You Are Mine
10. About My Sorrow
11. Secret Forgiveness
12. Angels Won't Lie

 

IQ - Frecuency (2009)

Formación del grupo en Frequency:

• Peter Nicholls (Voces)
• Mike Holmes (Guitarras)
• John Jowitt (Bajo)
• Mark Westworth (Teclados)
• Andy Edwards (Baterías)

Uno no sabe muy bien, que tiene que hacer un grupo como éste, para que realmente se le reconozcan los méritos reales que han hecho, o al menos parte de ellos. Porque poseer una discografía tan brillante, ser uno de los buques insignia del movimiento Neo-Prog en el Reino Unido, y ser un grupo desconocido para buena parte del gran público, tiene que ser duro, muy duro.

Y más teniendo en cuenta que hablamos de un grupo que cuenta ya con una trayectoria de unos 22 años a sus espaldas.

Y todo ello a pesar de los numerosos cambios de formación que están sufriendo ultimamente, de hecho, y a pesar de que éste Frequency es su disco más reciente hasta la fecha, a día de hoy, tres de los integrantes que han participado en éste disco, ya no forman parte de la banda en la actualidad. Aunque una de las altas hay que celebrarla por todo lo alto, ya que acaba de volver el batería clásico de la banda, Paul Cook.

Pero vayamos un poco al grano, IQ se caracteriza por realizar un Rock Progresivo sofisticado, que incluye en sus trabajos pocas composiciones, pero varias de ellas de una duración muy extensa. A alguno le puede parecer muy cargante que un tema sea muy largo, pero todo ello se compensa con una labor magistral a los instrumentos, por parte de sus integrantes, y a unas líneas vocales preciosas que hacen que las canciones se sucedan de una forma más rápida de lo que inicialmente podría parecer. Y es que no es lo mismo componer canciones largas y aburrir al personal, que hacerlo con maestría y con un tacto envidiables, suponiendo que en un abrir y cerrar de ojos, te hayas escuchado todo el álbum.

Frequency se compone de 7 canciones, de un nivel altísimo y con numerosos cambios de ritmo, desde la armoniosa y sugerente canción inicial, la homónima Frequency, hasta la despedida del álbum en forma de suite, titulada Closer, con unas preciosas acústicas en su inicio y unas atmósferas que harán que tu mente flote hasta el final de la misma.

Entre medias, nos encontramos con mi favorita, Life Support, con unos pianos preciosos y un cambio de ritmo brutal hacia la mitad de la canción, mientras que Ryker Skies, The Province y Stronger Than Fiction, son regalos en forma de suite de larga duración, con ritmos camaleónicos, sólido y unas baterías elaboradas.

Dejan espacio para un tema corto, One Fatal Mistake, con deliciosos teclados y maravillosas acústicas, mientras a la voz de luce Peter Nicholls, realizando una gran interpretación.

Frequency no es un disco más, es la confirmación de que éstos ya veteranos músicos, están pasando por un momento pletórico de inspiración, y eso es una suerte, para todos aquellos que queramos disfrutar de la música de éstas leyendas de la música. Una nueva obra maestra para el estilo.

Mi puntuación: 9

Tracklist:

1. Frequency
2. Life Support
3. Stronger Than Fiction
4. One Fatal Mistake
5. Ryker Skies
6. The Province
7. Closer

HIM - Deep Shadows & Brilliant Highlights (2001)

Formación del grupo en Deep Shadows & Brilliant Highlights:

• Ville Valo (Voces)
• Linde (Guitarras)
• Mige (Bajo)
• Emerson Burton (Teclados)
• Gas Lipstick (Baterías)

Llegaba el año 2001, y a HIM le tocaba afrontar una gran papeleta. Se trataba de dar continuación al exitoso Razorblade Romance, un álbum que le brindó al grupo finlandés la popularidad y el status de estrellas. ¿Consiguieron realizar un disco a la altura de las espectativas creadas? A medias, ya que a pesar de tirar por unos derroteros más oscuros y a la vez menos rockeros, fueron capaces de componer un puñado de canciones que hoy en día son la columna vertebral de su carrera, el problema es que no todas las canciones se sitúan al mismo nivel, haciendo de Deep Shadows & Brilliant Highlights un disco un tanto irregular. Eso sí, no es un disco mediocre como algunos lo pintan, el problema es que depende de quien lo escuche. Si lo hace una persona libre de prejuícios, capaz de escuchar diversos estilos musicales, lo aceptará. Si por el contrario, es una persona cerrada en su postura, sectaria con la música y que piensa que todo lo que no sea metal es una bazofia, entonces, pisará el disco con todas sus fuerzas. Menos mal que en ésta vida, sigue habiendo gente a la que le interesa escuchar diversas músicas, siempre y cuando haya un mínimo de calidad.

El inicio del álbum es esperanzador, aunque ya anuncia que algunas cosas han cambiado, como por ejemplo el extraño inicio de Salt In Our Wounds, que sin embargo, mientras pasan los segundos, va convenciendo poco a poco hasta llegar a un estribillo potente y melódico. Heartache Every Moment se antoja una composición más standard, con unas melodías vocales exquisitas, y es que no lo vayamos a negar, que un grupo sea capaz de enamorar a través de unas melodías tan pegadizas, tiene un enorme mérito, pues hay bandas que lo intentan, y no lo consiguen.

El bajón llega con la prescindible y mediocre Lose You Tonight, pero todo se arregla con una de las mejores canciones de los finlandeses, ya que la canción que aparece en escena es la preciosa In Joy And Sorrow, con unas guitarras y unos estribillos que hacen que sea irresistible caer en la tentación de ésta preciada golosina sonora. A ésta le sigue Pretending, un single meritorio, aunque peca de caer en la comercialidad facilona.

Tras una primera parte más o menos brillante, no podemos decir lo mismo de la segunda, ya que canciones como Close To The Flame, empañan un tanto el resultado final.

Mientras tanto, la acústica Please Don't Let It Go y el Pop Rock luminoso de Don't Close Your Heart mantienen un nivel más que aceptable, aunque se ven superadas por Beautiful, con una interpretación magnífica de Ville Valo, y por la genial Love You Like I Do, que despide el álbum de forma lúgubre y triste, con una de las voces más graves que le recuerdo al bueno de Valo.

Deep Shadows & Brilliant Highlights deja un legado de buenas canciones, que se han convertido en imprescindibles para todos los seguidores de la banda, aunque eso sí, el resultado final del álbum se ve empañado por un par de composiciones que rozan la mediocridad absoluta. Una lástima que no mantuvieran el nivel durante todo el disco, porque entonces la cosa cambiaría, y mucho.

Mi puntuación: 6'75

Tracklist:

1. Salt In Our Wounds
2. Heartache Every Moment
3. Lose You Tonight
4. In Joy And Sorrow
5. Pretending
6. Close To The Flame
7. Please Don't Let It Go
8. Beautiful
9. Don't Close Your Heart
10. Love You Like I Do

Gotthard - Human Zoo (2003)

Formación del grupo en Human Zoo:

• Steve Lee (Voces)
• Leo Leoni (Guitarras)
• Mandy Meyer (Guitarras)
• Marc Lynn (Bajo)
• Hena Habegger (Batería)

Hace unos meses, la trágica noticia del fallecimiento de Steve Lee, vocalista de Gotthard, el 5 de Octubre del pasado año, conmocionó el mundo del Rock, y sobre todo las tierras helvéticas, país donde Gotthard son unos ídolos, y no es para menos teniendo en cuenta la discografía que poseen, y lo grandísimas personas que parecen ser.

Y es que, no nos engañemos, aunque en nuestro país, cuna de la incultura musical, no sepamos de la repercusión del grupo, ello no quita que en muchos países de Europa tengan tanta repercusión. Sin ir más lejos, celebridades como Montserrat Caballé, se ha prestado a cantar en alguna composición de la banda suiza, además de haber estado presente en el funeral de Steve Lee.

Una muerte que ha sido trágica, porque no se esperaba de un hombre tan simpático y cercano. Todavía duele más saber que en su muerte, él no ha tenido que ver, ya que fue arrollado por un camión, mientras el y unos amigos se disponían a poner unos chubasqueros en la mediana de una de las calzadas de los Estados Unidos, país donde se encontraban para realizar uno de los sueños del vocalista, que era recorrer todo el territorio encima de una Harley Davidson. Ese sueño terminó en pesadilla.

Pero bueno, no voy a entrar en más detalles sobre ese sobrecogedor suceso, y vamos con un pequeño análisis de uno de los discos más aclamados de Gotthard, que no es otro que Human Zoo, editado en 2003 y poseedor de varios himnos que permanecerán en la memoria de todos los seguidores del grupo. Hay que decir que la banda practica un Hard Rock melódico de gran nivel, donde el poderío vocal de Steve, sobresale de forma espectacular.

Un total de doce canciones nos aguardan en éste trabajo, donde se deben destacar títulos como la homónima y a su vez inicial Human Zoo. Un corte con buenos riffs de guitarra, y las cuerdas vocales de Lee, dando una lección magistral de como cantar buen Rock.

What I Like nos descubre una canción elegante, con buenas guitarras acústicas, pausada, aunque con estribillos intensos y muy pegadizos, mientras tanto, Top of the World espera su momento para asaltar los oídos del oyente, y convertirse desde ese mismo instante en un tema a recordar. Se trata de uno de los títulos más aclamados por los seguidores de la banda. Siguiendo la tónica de canciones potentes y pegadizas tenemos One in a Million y la alocada Long Way Down.

En el apartado de medios tiempos me gustaría destacar las preciosas melodías que flotan sobre Janie's Not Alone y la extraordinaria interpretación de Lee en First Time In a Long Time.

En el apartado de baladas, una composición destaca por encima del resto, y es que Have A Little Faith ablanda el corazón más pétreo del planeta Tierra.

Human Zoo, es una piedra más, que conforma una discografía sólida, sin fisuras y con un buen hacer, que incluso sorprende ver como una banda es capaz de mantenerse a gran nivel durante tantos años. Ahora, tras la reciente muerte de Lee, veremos que pasa en próximos lanzamientos, ya que no se sabe, por el momento, quien será el que tendrá que lidiar con la dura misión de sustituír a una de las mejores voces del Hard Rock europeo.

Mi puntuación: 8'5

Tracklist:

1. Human Zoo
2. What I Like
3. Have A Little Faith
4. Top Of The World
5. Janie's Not Alone
6. Still I Belong To You
7. One In A Million
8. No Tomorrow
9. First Time In A Long Time
10. Where I Belong
11. Long Way Down
12. What Can I Do

Hell - Human Remains (2011)

Formación de la banda en Human Remains:

• David Bower (Voces)
• Kev Bower (Guitarras, Teclados)
• Andy Sneap (Guitarras)
• Tony Speakman (Bajo)
• Tim Bowler (Baterías)

Hell, una banda de Heavy Metal puro que ha sufrido bastantes incidencias antes de tener en los mercados éste debut "oficial".

Resulta que en su momento, a inicios de la década de los 80, Hell había compuesto unas canciones que tendrían que ser publicadas en un álbum que nunca vería la luz por culpa de la quiebra de la discográfica con la que tenían un contrato firmado. Digo lo de su primer álbum "oficial", porque en su momento, el grupo había grabado unas cuantas demos, e incluso había lanzado un single, y a pesar de todas esas dificultades, durante éste tiempo han permanecido como un grupo de culto. Con motivo de todas esas incidencias, el grupo se disuelve en 1987, tras la muerte del vocalista Halliday por una intoxicación.

En 2008 vuelven a reunirse, con tres miembros originales, y dos nuevas incorporaciones. En un principio, el frontman iba a ser Martin Walkyier, pero finalmente el puesto ha parado en manos de Martin Bower, hermano de Kev. Y la otra incorporación ha sido la más fundamental, nada menos que el guitarrista y productor Andy Sneap, uno de los máximos responsables de que Hell haya vuelto a la vida, y cumpliera el sueño de ver por fin editado su primer disco de estudio. Andy siempre se ha declarado seguidor del grupo, por todo lo que había escuchado, y lejos de mantenerse al margen como el productor del disco, decidió formar oficialmente parte de él.

Todas las canciones han sido compuestas en los años 80, se han producido con las tecnologías actuales, y se le han hecho algunos retoques, para que suene actual, además se han grabado de nuevo las voces, con el nuevo vocalista. Y ésto da como resultado, una colección de 11 canciones potentes y de gran calidad.

En una época en la que parece que muchas personas están dispuestas a aplaudir todo cuanto material se edite de las bandas más grandes de cada estilo, era necesario que llegara un grupo como Hell, y pusiera las cosas en su sitio, y enseñara que todo se puede hacer mucho mejor, sin caer en el conformismo.

Así pues, tras una intro, digna de una banda sonora de una buena película, llega el recital que se marcan en On Earth as It in Hell, una composición potente, repleta de grandes riffs y diferentes cambios de ritmo. Aquí ya podemos descubrir la genial voz de Martin Bower, que realmente es actor profesional con dotes de tenor, de ahí su teatralidad a la hora de cantar y gesticular. Los solos de guitarra son cortos y precisos, y los momentos pasajes instrumentales guiados en muchos momentos por concisos teclados, añaden un halo de oscurantismo que te hace estremecerte.

Seguimos con Plague and Fyre, que tras una larga intro, llena de dramatismo y misterio, da paso a unos riffs de guitarra, que se desmelenan cuando Bower empieza atacar las estrofas. En The Oppressors, la velocidad se pierde en beneficio de la intensidad, con algunos riffs machacones, propias de la escuela clásica del Heavy Metal clásico.

Blasphemy and The Master y The Devil's Deadly Weapon son dos temas largos, con sus correspondientes cambios de ritmo casi contínuos. En el primero de ellos, Bower se desmarca con unas líneas vocales perfectamente representadas adaptando su voz como si la locura lo dirigiera, en el segundo, las atmósferas son más densas y la aparición de los teclados es clave en la composición, mientras tanto, Macbeth, que no se queda atrás en cuanto a minutaje, posee un inicio desgarrador, con unas guitarras cortantes y una base rítmica demoledora. Pero si hablamos de canciones lúgubres y oscuras, No Martyr's Cage se lleva la palma, ya que por momentos se acerca a terrenos más Doom.

En éste álbum también hay espacio para canciones directas, repletas de fuerza y sin concesiones al respiro, como la rabiosa Let Battle Commence, la que en su momento fuera single en los 80, y que corresponde al título de Save us From Who Would Save us, o The Quest, la que quizás se muestra más pegadiza, por sus melódicas línes vocales.

Que Hell haya editado éste Human Remains, tiene que ser un toque de atención para aquellos grupos consagrados, que por unas cosas u otras, se están durmiendo en los laureles. Con publicaciones como ésta, me río yo de todo aquel que dice que el heavy está acabado. Una producción impresionante, con unos talentosos músicos y un puñado de canciones donde el nivel está en las nubes. Ojo con ésta banda en publicaciones futuras, porque parecen no tener techo. Desde ya, Human Remains se convierte en una obra maestra del género.

Mi puntuación: 9'5

Tracklist:

1. Overture: Themes From "Deathsquad"
2. On Earth As It Is In Hell
3. Plague And Fyre
4. The Oppressors
5. Blasphemy And The Master
6. Let Battle Commence
7. The Devil's Deadly Weapon
8. The Quest
9. Macbeth
10. Save Us From Those Who Would Save Us
11. No Martyr's Cage

Wig Wam - Wig Wamania (2006)

La formación del grupo en Wig Wamanía:

• Glam (Voces)
• Teeny (Guitarras, Coros)
• Flash (Bajos, Coros)
• Sporty (Baterías)

Wig Wam es un grupo de Noruega, que practica un Hard Rock/Glam festivo, que en su momento representaron al país nórdico en el certamen de Eurovisión, demostrando llevar probablemente la mejor canción de aquel año, con su aclamado In My Dreams.

Una vez superado con nota el debut del grupo, nos llegó éste Wig Wamanía, su segundo álbum, que no el último, ya que el pasado año editaron otro trabajo meritorio.

Pero vayamos por partes, y es que éste segundo álbum supuso un salto cualitativo y de madurez, que da como resultado un puñado de canciones que en su conjunto conforman probablemente el mejor disco del grupo, hasta el día de hoy.

Un total de 12 canciones, incluyendo en esa lista una intro inicial de apenas un minuto, que simplemente nos prepara para lo que va venir después.

Rock my Ride recoge el testigo con timidez, pero que termina por explotar en un buen riff cuando la composición se va acercando al primer minuto, rompiendo el hielo para que el vocalista, Glam, comience a recitar las frases, con una voz potente y rasgada. El estribillo es marca de la casa, alegre y melódico a más no poder. El trabajo de las guitarras es notable, con solos muy bien conseguidos.

Gonna Get You Someday es problemente la canción más comercial, por así decirlo, de todo el álbum, con un sin fin de melodías pegajosas aptas para corear en cualquier lugar del mundo. Dare Devil Heat y Kill my Rock N' Roll son dos joyas que siguen los patrones típicos marcados por Wig Wam, es decir, riffs sencillos pero efectivos, cortas estrofas y estribillos majestuosos. Quisiera destacar también, dentro de las canciones potentes, la que cierra el álbum, se llama Breaking All The Rules, y es una exhibición de guitarras incendiarias, solos virtuosos y la voz de Glam al borde de la locura.

Se atreven también con una acertada pieza instrumental como es The Riddle, y también con una serie de medios tiempos deliciosos, entre los que destacaría Slave To Your Love, y sobre todo la excelente Bygone Zone, muy emotiva y que recuerda en sonoridad a todas aquellas baladas memorables de décadas pasadas.

Wig Wam se suma al carro de la primera división de grupos de Hard Rock, con ciertos toques glam, gracias a trabajos como éste Wig Wamanía, porque no contiene canciones de relleno, y además se atreven con todo, ya sean cortes potentes, baladas o intrumentales. Todo ello con mucha elegancia y una cierta capa de pintura glam.

Mi puntuación: 8 

Tracklist:

1. Wig Wamanía
2. Rock My Ride
3. Slave To Your Love
4. Gonna Get You Someday
5. Bygone Zone
6. Dare Devil Heat
7. Kill My Rock N' Roll
8. The Riddle
9. At The End Of The Day
10. A R'N'R Girl Like You
11. Can't Get Her (Out Of My Bed)
12. Breaking All The Rules

Marillion - Marillion.com (1999)

Formación del grupo en Marillion.com:

• Steve Hogarth (Voces, Piano, Guitarras)
• Steve Rothery (Guitarras)
• Pete Trewavas (Bajo, Coros)
• Mark Kelly (Teclados)
• Ian Mosley (Batería)

Cuando hablamos de Marillion, lo hacemos de uno de los grupos capital del llamado Neo-Prog, y también de un conjunto de músicos inconformistas, que pudiéndolo hacer mejor o peor en sus trabajos, siempre nos ofrecen humildad, buen hacer, y sobre todo sonidos diferentes, ya que por lo escuchado en su discografía, huyen de caer en composiciones que suenen repetitivas, y por ello, sus discos suelen ser bastante diferentes entre sí, a pesar de que todo termina llegando al mismo puerto: El Progresivo, aunque en el álbum que nos ocupa, dicha etiqueta pasa a segundo plano.

Con éste disco, el grupo del Reino Unido quiso ofrecernos una colección de composiciones bastante eclécticas, donde muchos estilos musicales conviven sin reñir, protagonizando un resultado global bastante notable. No es el mejor disco de Marillion, pero garantiza el sello de calidad a la que nos tienen acostumbrados.

El grupo ha sido producido por la propia banda, y también por Steven Wilson, el líder de los también progresivos Porcupine Tree.

Marillion.com comienza de forma suave, pausada, sosegada, como queriendo pasar de puntillas para poco después pegar un salto y mantenerse con los piés en el suelo durante todo el álbum. Esa calma controlada corresponde a A Legacy, un tema con unas guitarras bastante marcadas. Bastantes cambios de intensidad, con Steve Hogarth susurrando en ciertos momentos de la canción. Deserve nos ofrece una sonoridad diferente, un Pop Rock sofisticado con una pequeña sección de viento y unas estrofas notables. Bajo éste concepto tenemos la alegre y sobresaliente Rich, con un estribillo fascinante, que la convierte en la joya del disco. Mientras tanto Built-In Bastard Radar, nos obsequia con un pequeño solo de guitarra al inicio, marca de la casa con denominación de origen de Steve Rothery.

Tumble Down The Years es una gema de Pop luminoso, sin embargo los títulos Go y Enlightened nos ofrecen la versión más relajada del grupo, casi Chill-Out.

Para el final quedan las dos composiciones más largas del álbum, la progresiva y camaleónica Interior Lulu, con múltiples cambios de ritmo, y la sorprendente House, una canción que se acerca sorprendente a terrenos poco explorados por la banda, como pueden ser los sonidos cercanos al Trip-Hop. El resultado es envidiable.

Marillion.com nos ofrece a un grupo contestón e inconformista, negándose a sonar siempre igual, y sorprendiéndonos con una variedad de sonidos y una paleta de colores atmosféricos, que no hacen más que provocar un fuerte aplauso ante tal valentía. Merece la pena unas cuantas escuchas. Sabemos que Marillion siempre ha sido un grupo de Rock Progresivo, pero los buenos músicos son capaces de caminar por el alambre de otros estilos, sin necesidad de caerse.

Mi puntuación: 7

Tracklist:

1. A Legacy
2. Deserve
3. Go
4. Rich
5. Enlightened
6. Built-in Bastard Radar
7. Tumble Down The Years
8. Interior Lulu
9. House

Muse - Absolution (2003)

Formación del grupo en Absolution:

• Matthew Bellamy (Voces, Guitarras, Teclados, Melotrón, Hammond, Piano)
• Chris Wolstenholme (Bajo, Coros)
• Dominic Howard (Baterías)

Muse, grupo británico que lleva dando que hablar durante ya unos cuantos años, sobre todo por unos trabajos grandilocuentes, que durante un tiempo llevaban etiqueta negra por su calidad, aunque en los últimos tiempos, han bajado el listón de sus álbumes, conformándose con publicar material más vulgar, mientras llegan cada vez a más oídos conformistas.

Pese a quien le pese, Absolution fue el último gran disco de Muse, el último donde la banda se mostraba especial, inconformista y ambicioso. Creando paletas sonoras para paladares exquisitos, transportando a los oyentes a otra dimensión, gracias en parte a una producción sólida y efectiva.

El álbum contiene un total de catorce canciones, en los que se incluye la intro inicial, que da paso al pistoletazo de salida, llevado a cabo por la bella y a su vez angustiosa sonoridad de Apocalypse Please.

Matt, sabe perfectamente como embelesar a sus seguidores, y por ello es capaz de crear melodías vocales deliciosas, donde los falsetes ayudan a fomentar ese bello dramatismo, sin caer en la exageración.

La misma tónica acompaña a Sing for Absolution, aunque con unas estrofas menos saturadas, y unos estribillos más marcados y melódicos.

En la senda de las canciones potentes con afiladas guitarras, nos encontramos con la rabia demoledora de Stockholm Syndrome, sin renunciar a las melodías vocales pegadizas, sonido que se refuerza en Hysteria, aunque quizás sea ésta menos espectacular. Butterflies and Hurricanes y Thoughts of a Dying Atheist completan la lista de canciones potentes que merecen ser destacadas, el resto de ellas parecen estar a buen nivel, pero no consiguen sorprender, como es el caso de The Small Print.

Donde Bellamy se suele mover mejor, es en las composiciones con mayor sinfonismo, y arreglos más preciosistas, al menos en lo que se refiere a Absolution, lo digo por lo conseguido en composiciones como la impresionante Falling Away With You, o Blackout, que parece apta para un bonito anuncio de colonia.

Evidentemente, he dejado para el final la mención especial que merece la canción que ha tirado de éste álbum desde que vió la luz, que no es otra que Time is Running Out, un ejercício magistral que muestra al mundo como hacer un tema comercial, pegadizo y con calidad a raudales. Y eso era algo que Muse sabía manejar a la perfección, y que con el paso del tiempo ha perdido.

Lo dicho, Absolution fue el último larga duración que la banda británica compuso pensando en hacer buena música, con la calidad por bandera. Logrando una colección de títulos que asombra solo con leer su título. Es una lástima que con el tiempo, el nivel haya decaído, y ahora se centren en crear sonidos para gente, que de vez en cuando, quiere escuchar algo de buena música, pero que en su mente circula la palabra conformismo.

Mi puntuación: 9 

Tracklist:

1. Intro
2. Apocalypse Please
3. Time is Running Out
4. Sing For Absolution
5. Stockholm Syndrome
6. Falling Away With You
7. Interlude
8. Hysteria
9. Blackout
10. Butterflies and Hurricanes
11. The Small Print
12. Endlessly
13. Thoughts of a Dying Atheist
14. Ruled By Secrecy

Carmen Gray - The Portrait of Carmen Gray (2006)

Formación de la banda en The Portrait of Carmen Gray:

• Nicklas (Voces)
• Lappe (Guitarras, Coros)
• Pete (Bajo, Coros)
• J.J (Teclados, Coros)
• O.J (Batería)

Los países nórdicos parecen querer tomar las riendas de la cantera europea, en cuanto a música se refiere.

Carmen Gray es una banda finlandesa , que en 2006 publicaron éste disco debut.

El estilo que practican es un Hard Rock melódico, pero con elementos necesarios para que en algunos momentos, su música se muestre más oscura y melancólica, lo que te puede llevar a pensar que tienen ciertas similitudes con sus compatriotas HIM.

El disco arranca con Looking for Love, que nos presenta a una formación con un sonido fresco, y a un Nicklas, que sin poseer una voz prodigiosa, cumple sobradamente, siendo agradable de escuchar gracias a las pegadizas melodías vocales que nos ofrece. El tema en sí, es una buena apertura de disco, con un estribillo directo, perfecto para corear en los directos, mientras que Lost in my Mind Again se erige como la canción estrella del álbum, que posee un gancho melódico descomunal y que se convierte por así decirlo en una composición que perfectamente podría ser "radiable", eso sí, ello no implica que no tenga calidad, más bien al contrario, pues ya le gustaría a muchos grupos haber facturado una canción así.

Seguimos, porque en el apartado de buenas canciones, debemos mencionar a I'm no good anymore y My Mistake, ya que poseen suficientes ingredientes como para colocarse entre los favoritos de los oyentes.

Mencionar igualmente el "punch" que supone A Thing About Love, una composición rápida y muy directa, con muy buenas guitarras.

Lo normal, en trabajos de éste estilo, es encontrarse con un puñadito de medios tiempos y baladas, y por supuesto, éste disco no iba a ser menos.

Tenemos las preciosas notas musicales de Color Blind, así como la dulce hermosura de Lying With You, una de las canciones más bonitas que he escuchado en éste estilo.

The Portrait of Carmen Gray es un muy buen debut, repleto de buena música que es a lo que nos tienen acostumbrado las bandas nórdicas. Grandes melodías, para nada empalagosas, con muchas guitarras y grandes dosis de energía.

Mi puntuación: 7'5

Tracklist:

1. Looking For Love
2. Lost in my Mind Again
3. I'm No Good Anymore
4. Unbeloved (Me & Suzy)
5. My Mistake
6. Color Blind
7. Lying With You
8. Misunderstood
9. A Thing About Love
10. Pieces of my Broken Heart
11. A Grain of Sand

El Fantástico Hombre Bala - Estigmas (1996)

Formación de la banda en Estigmas:

• Morti (Voces)
• Munsee (Guitarras)
• Dani Baraldés (Guitarras)
• David Martínez (Bajo)
• Charly Sardá (Batería)

Hablamos de un grupo español surgido en los años 90, y que solamente han podido entregar dos trabajos de estudio, ya que más tarde vendría la disolución de una formación, que durante unos pocos años dejaron el listón bastante alto, gracias a un Rock Alternativo que poco o nada tenía que envidiar a todo lo que procediera de otros países.

Nunca han tenido la repercusión merecida, mientras que las personas que conocía a la banda, estaban seguros de que su potencial les ponía a la altura de los grandes grupos españoles de la década de los 90.

Yo iría más lejos, y me atrevería a decir que junto a Héroes del Silencio, eran los que realmente ofrecían un material más interesante y de calidad.

Estigmas es el segundo y último trabajo de El Fantástico Hombre Bala, un nombre curioso, donde militaba el carismático Morti, quien después tendría algo más de suerte en Skizoo e incluso con el proyecto Bushido.

Eso sí, los integrantes que lo acompañaban no se quedaban atrás en cuanto a oficio y talento se refiere, y eso es algo que se puede percibir en éste trabajo, que contiene canciones potentes, con letras curiosas y fascinantes.

Nada más iniciarse el disco, nos espera Soy, un rabioso pistoletazo de salida, con unas guitarras afiladas, una base rítmica firme y una voz maravillosa para el estilo. El estribillo es altamente contagioso. Una gran composición, que refleja perfectamente el nivel del grupo.

Seguimos con más canciones destacables,  por lo que no podemos olvidarnos de Mata a Mamá, con riffs marcados, letras filosóficas y metafóricas, con un ritmo menos salvaje, pero igualmente intenso.

En A Través de un Desierto, el bajo de David se hace protagonista, sobre todo en los compases iniciales, mientras que Háblame se inicia con una intro en la que se escuchan las risas de un bebé, dejando después paso para los riffs de guitarra. Ésta canción posee una de las estrofas más conseguidas del álbum.

En tu Nombre y Cuentos y Leyendas son dos cortes enérgicos, portentes y directos, mientras la pausa la pone Dar, Dar y Recibir, la que para mí es la joya del disco. Un medio tiempo precioso, con un aura misterioso y unas letras brillantes. La interpretación de Morti es sublime.

Finalmente, merecen ser destacadas las composiciones que tienen por título Por mi Sed y la homónima Estigmas, la primera de ellas es poseedora de unos riffs muy Soundgarden, mientras la segunda es una suite, con diversos cambios de ritmo.

Estigmas, es sin duda el mejor trabajo de éste grupo catalán, con un sonido deudor de bandas procedentes de Seattle, aunque manteniendo un estilo propio gracias a la fuerte personalidad de sus integrantes, haciendo que no suene a copia de nadie. Merecen mucha más repercusión de la obtenida.

Mi puntuación: 8'5 

Tracklist:

1. Soy
2. Mata a Mamá
3. A Través de un Desierto
4. Háblame
5. En tu Nombre
6. Cuentos y Leyendas
7. Dar, Dar y Recibir
8. Caminos de Espinas
9. Por mi Sed
10. Estigmas
11. Combustión Espontánea